- 中文名
- 歌剧
- 外文名
- opera
- 类 型
- 西方舞台表演艺术
- 起 源
- 古希腊戏剧的剧场音乐
- 出现时间
- 1600年前后
简介
播报编辑
一般而言，较之其他戏剧不同的是，歌剧演出更看重歌唱和歌手的传统声乐技巧等音乐元素。歌手和合唱团常有一队乐器手负责伴奏，有的歌剧只需一队小乐队，有的则需要一团完整的管弦乐团。有些歌剧中都会穿插有舞蹈表演，如不少法语歌剧都有一场芭蕾舞表演。歌剧被视为西方古典音乐传统的一部分，因此和经典音乐一样，流行程度不及当代流行音乐，而近代的音乐剧被视为歌剧的现代版本。
歌剧而意大利歌剧的主流一直是正歌剧，直至格鲁克在1760年代推出的“革新歌剧”，以对抗正歌剧的矫揉造作。著名的18世纪歌剧巨匠莫扎特，少年时先以正歌剧起家，既而以意大利语喜歌剧，风行各地，尤以《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》和《女人皆如此》为人称颂。而莫氏倒数第二部歌剧《魔笛》（最后一部为狄多王的仁慈），更是德语歌剧的指标性作品。 [1]
19世纪初期是美声（bel canto）风格歌剧的高峰期，风行当时的罗西尼、多尼采蒂和贝利尼等人的歌剧，依然常见于舞台。与此同时，贾科莫·梅耶贝尔的歌剧作品则成为了法式大歌剧（Grand Opera）的典范，并风行全法。
19世纪中后叶则被誉为歌剧的“黄金时期”，其中理查德·瓦格纳和朱塞佩·威尔第在德国和意大利各领风骚。而黄金时期过后的20世纪初，西欧歌剧继续演变出不同风格，如意大利的写实主义（verismo）和法国的当代歌剧，和及后贾科莫·普契尼和理查德·施特劳斯的作品。而在整个19世纪，在中东欧地区，尤其是俄罗斯和波希米亚，国民乐派的崛起造就了当地和西欧平行发展的歌剧作品。
整个20世纪，现代风格元素常被尝试混入歌剧当中，如阿诺德·勋伯格和阿尔班·贝尔格的无调性手法和十二音阶作曲法，以伊戈尔·斯特拉文斯基为代表的新古典主义音乐和菲利普·格拉斯和约翰·亚当斯的简约音乐。随著录音技术的改善，像恩里科·卡鲁索等歌手成为歌剧圈外人士所知的名字。随着20世纪科技的进步，歌剧也会在电台和电视上播放，也出现了为广播媒体而写的歌剧。
起源
播报编辑
歌剧在西方语言的代表字Opera来源于拉丁语“作品”的复数形式（Opus, Opera），后经意大利文推广至其他欧洲语言，顾名思义歌剧原意不单单包括舞台上的独唱、重唱和合唱，也包括对白、表演和舞蹈。16世纪末，在意大利的佛罗伦萨有一群人文主义学者组成了“卡梅拉塔同好社”（Camerata）的团体，以复兴古希腊的舞台表演艺术。他们相信古希腊的戏剧中的“合颂”部分实际上是合唱部分，甚至有人认为古希腊的戏剧实际上就和歌剧一样，全部剧情皆以歌曲交代。因此当现代历史上第一部歌剧，由雅各布·佩里（Jacopo Peri）作曲，取材自古希腊神话的《达芙尼（Dafne）》于1597年首演时，风评一片赞好，皆认为“成功复活了古希腊的戏剧精神”。但《达芙尼》最终不幸失传，但佩里的另一套首演于1600年的歌剧《尤丽狄茜（Euridice）》仍偶有排演。但歌剧界最古老的标准保留剧目的歌剧，当数1607年首演于曼都瓦宫廷的克劳迪奥·蒙泰韦尔迪作品《奥菲欧（L'Orfeo）》。
意大利歌剧
播报编辑
1637年，歌剧季度购票制度在威尼斯的狂欢节出现，令公众开始得以欣赏歌剧。蒙泰韦尔迪也在此时由曼都瓦移居到威尼斯，并为威尼斯在1640年代创作了他最后的两套歌剧，《尤里西斯返故国（Il ritorno d'Ulisse in patria）》和《波佩雅的加冕（L'incoronazione di Poppea）》。他最重要的追随者范切斯科·卡瓦利（Francesco Cavalli）将歌剧传到了意大利各地。这些早期的巴洛克时代的歌剧，往往是喜剧混合一些悲剧元素，如在歌剧中插入带喜剧成份的“戏中戏”，以吸引文化程度不如贵族的新晋商人阶层，去欣赏歌剧。但这个现象刺激了不少受过教育的鉴赏者。就是这些鉴赏者，发起了歌剧史上第一次革新运动。在威尼斯阿卡迪亚学院的资助下，诗人梅塔斯塔齐奥（Metastasio）通过自己的创作，确认了正歌剧（opera seria）的标准模式。自此至18世纪末，正歌剧便成为意大利歌剧的主流。
而在梅塔斯塔齐奥的标准形成之际，喜歌剧（opera buffa）便成为巴洛克时代意大利歌剧的另一模式。而部分戏中戏则渐渐发展成为日后“艺术喜剧（commedia dell'arte）”，如同1710至1720年代流行于那不勒斯的“间场喜剧（intermezzi）”一般。无论如何，这些喜剧往往都大受欢迎，不少得以随即单独上演。
正歌剧常带有振奋的音调和还有高度格式化的曲式，通常由干宣叙调和返始咏叹调（da capo aria）。这些特色给予当时的歌剧唱家很大的发挥空间，令他们成为正歌剧黄金时代的明星。当时英雄的角色常为阉伶而设，或用女高音代替。这类唱家以阉伶法里内利（Farinelli）和赛尼西诺（Senesino），还有女高音浮士蒂娜·波多妮（Faustina Bordoni）最为著名，其中法里内利更是18世纪最著名的歌剧唱家。由于正歌剧在法国以外的各国大行其道，因此这类主角在各国需求很大。
意大利歌剧一直是巴洛克时代歌剧的标准，意大利脚本最为流行，如在伦敦谋生的德国人韩德尔都是用意大利语的脚本写歌剧。直至到古典音乐时期，意大利语脚本都是歌剧的主流，18世纪末在维也纳谋生的莫扎特也是用意大利语的脚本。其他意大利当地歌剧的领军人物包括亚历山德罗·斯卡拉蒂、安东尼奥·维瓦尔第和尼可拉·波波拉（Nicola Porpora）。
正歌剧诚然有其弱点和批判者，尤其是以壮观场景取代戏剧的纯粹性和统一性，引来不少抨击。番切斯科·阿尔加罗蒂（Francesco Algarotti）1755年发表的《论歌剧（Saggio sopra l'opera in musica）》，启发了克里斯托夫·维利巴尔德·格鲁克提出革新歌剧的理论。格鲁克主张正歌剧应该反璞归真，无论是音乐、舞蹈和舞台布置，都是应该为为戏剧服务。这个时期的部份作曲家如尼可洛·约梅里（Niccolò Jommelli）和托马索·特拉埃塔（Tommaso Traetta）都曾尝试将这些观点付诸实行。但第一个成功且青史留名的是格鲁克。格鲁克尝试达成歌剧的“简约美”，而在他的“革新歌剧”之一的《奥菲欧与尤丽狄茜（Orfeo ed Euridice）》得以体现，当中的声乐部，不如韩德尔的作品那般，富有简单的和弦和丰厚的交响乐伴奏。
格鲁克的革新影响深远，韦伯、莫扎特和华格纳都深受格氏的意念所影响。莫扎特在很多方面被视为格鲁克的继承人，集合自身天赋对喜剧、和声、旋律以及对位法的敏感触觉，和洛伦佐·达·彭特合作谱出了一系列依然流行、依然著名的喜剧作品：《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》和《女人皆如此》。然而莫扎特虽有正歌剧的创作，如《铁托皇的仁慈（La Clemenza di Tito）》和《依多美尼欧》，且创作精美，但已无力回天——正歌剧的时代俨然一去不复返。
19世纪初的意大利歌剧坛，几乎为美声运动和其歌剧代表作所占据，如乔奇诺·罗西尼、文琴佐·贝利尼、葛塔诺·多尼采蒂、乔望尼·帕契尼（Giovanni Pacini）和萨维利奥·马卡丹特（Saverio Mercadante）等人的作品。“美声（bel canto）” ，本为意大利一种声乐学派，其后出现相应的歌剧作品，成为一种歌剧的风格。美声作品的旋律往往非常华丽且复杂精细的，需要相当灵活的技巧和音高控制能力。
美声时期过后，朱塞佩·威尔第带动了一种更直接，更震撼的新风格，以圣经故事为题材的《拿布果》便是这种风格的第一击。而深受后拿破仑时代的意大利民族主义影响的歌剧观众，觉得威尔第通过自己的作品回应他们的诉求，令威尔第成为意大利统一运动的代表人物之一。1850年代早期，威尔第一连推出三部最受欢迎的歌剧：《弄臣》、《游唱诗人》和《茶花女》。此后更进一步发展他自己的风格，写下了法式大歌剧《唐·卡洛斯》，并改编两套莎翁戏剧，《奥泰罗》和《法斯塔夫》，作为自己的收山之作，并成功显示了意大利歌剧的复杂与精密。
威尔第以后，随着马斯卡尼（Pietro Mascagni）的《乡村骑士》和莱翁卡瓦洛（Ruggiero Leoncavallo）的《小丑情泪》的出现，写实主义歌剧渐渐流行于意大利。而写实主义风格歌剧，尤其是贾科莫·普契尼的代表作《波希米亚人》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》，更是一时主宰世界各地的歌剧舞台。此后的意大利作曲家，如卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio）和路易吉·诺诺都一度尝试将现代元素混入歌剧当中。
德语歌剧
播报编辑
首出德语歌剧是德国作曲家海因里希·许茨在1627年所写的《达芙妮》，但曲谱已经散佚。直到18世纪为止，意大利歌剧对德语地区一直有很大的影响力。不过本土形式也非停滞不前。1644年，西格蒙德·施塔登（Sigmund Theophil Staden）首创了歌唱剧，以音乐化的对白代替意大利歌剧宣叙调的地位。17世纪末至18世纪初，汉堡的白鹅市场歌剧院（Theater am G?nsemarkt）成为了德语歌剧的中心，上演了不少赖恩哈德·凯泽尔（Reinhard Keiserin）、格奥尔格·菲利普·泰勒曼和韩德尔的作品。然而不少作曲家，如卡尔·海因里希·格劳恩（Carl Heinrich Graun）、约翰·阿道夫·哈塞（Johann Adolph Hasse）以至后来的格鲁克，甚至韩德尔本人，都选择以外语谱写歌剧，尤以意大利语为多。
莫扎特的歌唱剧，1782年的《后宫诱逃（Die Entführung aus dem Serail）》和1791年的《魔笛》，被视为德语歌剧在国际歌剧市场立足的重要突破。而在法国大革命思潮的影响，贝多芬的《费德里奥》成功延续了德语歌剧的发展。而卡尔·马利亚·冯·韦伯则成功开创德语浪漫主义歌剧的先河，成功抵抗了意大利美声歌剧的浪潮。而在1821年首演的，充满超自然力量的气氛的《魔弹射手》，更彰显了韦伯制造戏剧效果的天赋能力。当时著名的歌剧作曲家还包括海因里希·马施纳（Heinrich Marschner）、弗朗茨·舒伯特、罗伯特·舒曼和阿尔伯特·洛尔青（Albert Lortzing），然而最著名的德语巨匠，当数理查德·华格纳。
华格纳被认为是音乐史上最富革新性和争议性的作曲家。在韦伯和梅耶贝尔的风格影响下，华格纳最终发展出混集音乐、诗词和美术于一身的“总体艺术（Gesamtkunstwerk）”的新概念。在后期的成熟作品中，如《特里斯坦与伊索尔德》、《纽伦堡的名歌手》、《尼伯龙根的指环》和《帕西法尔》，华格纳“废除”了宣叙调和咏叹调之间的停顿，将歌剧化为旋律不休止的乐剧。同时华格纳相当强调管弦乐团在歌剧中的角色和能力，更通过在乐谱上罗织主导动机的网络，不断重复与个别角色和戏剧概念有关的主题旋律。另一方面，华格纳更尝试突破传统的音乐理论，如音调以及和声，以求更大的表达空间。华格纳更尝试将哲学观点嵌入自己的歌剧作品当中，常常以德意志和凯尔特传说为基础编写歌剧。最终华格纳更在拜罗伊特修建自己的剧院，参照自己的歌剧需求设计，专门上演自己的歌剧。
歌剧在华格纳以后便不能以同日而语，而华格纳的传奇成为了很多作曲家的沉重包袱。但理查德·施特劳斯却能成功吸收华格纳的概念，发展出令人惊异的新方向。他先以极富争议性的《莎乐美》声名大噪，既而以灰暗的《厄勒克特拉》把和声推到极限。但此后施特劳斯来了个大转向，把华格纳的风格混合莫扎特的风格和维也纳圆舞曲，炮制出了巅峰之作——《玫瑰骑士》。施特劳斯其后不断推出风格各异的歌剧作品，不少由著名诗人雨果·冯·霍夫曼斯塔尔提供辞本，直至1942年推出《随想曲》为止。20世纪值得一提的德语歌剧作曲家还包括亚历山大·冯·策姆林斯基（Alexander von Zemlinsky）、保罗·兴德米特、寇特·威尔和意大利出生的费鲁西奥·布索尼（Ferruccio Busoni）。而阿诺德·勋伯格和其弟子在歌剧方面的创新则会在现代主义一节中讨论。
法语歌剧
播报编辑
在不断引入意大利歌剧的同时，意大利人让-巴普蒂斯特·吕利成功在法王路易十四的宫廷确立法语歌剧的风格。纵然外国出生的背景，吕利成立了王家音乐学院（Académie Royale de Musique），且1627年起垄断了法语歌剧市场。吕利通过和作词人菲利浦·基诺（Philippe Quinault）合作创作《卡德摩斯与艾米安（Cadmus et Hermione）》，开创了“音乐悲剧（tragédie en musique）”的先河，以着重对舞曲和合唱部分的编写而著名。吕利作品中的宣叙调往往感情色彩丰富，以凸显法语韵律特色。而在18世纪吕利的继承人，让-菲利普·拉莫不但创作了五套“音乐悲剧”，还尝试创作如“芭蕾歌剧（opera-ballet）”等其他类型的作品，而且皆以丰富的配乐与大胆的和声而著名。拉莫死后，德国人格鲁克曾在1770年代的巴黎推出过六部歌剧，带有拉莫的影子，但简单得来更着重戏剧方面。
与此同时，“喜歌剧（opéra comique）”渐渐在18世纪中的法国兴起。和德国的“歌唱剧”一样，喜歌剧也是以对白取代宣叙调，其中以皮耶尔-亚历山大·蒙西尼（Pierre-Alexandre Monsigny）、弗朗索瓦·菲利多（Fran?ois-André Philidor）和安德烈·欧内斯特·莫德斯特·格雷特里（André Ernest Modeste Grétry）代表。法国大革命期间，格鲁克的追随者，如梅于尔（Etienne-Nicolas Mehul）和凯鲁比尼（Luigi Cherubini）尝试为喜歌剧注入庄重的元素，自此喜歌剧不只是“闹剧”而已。
1820年代，格鲁克在法国的威力渐渐不敌于意大利的美声潮流，尤其在罗西尼迁居巴黎后，通过大作《威廉·泰尔》，参与确立法式大歌剧这种新形式。这种新形式随即被另一个外国移民，贾科莫·梅耶贝尔发扬光大。梅耶贝尔的作品，为唱家炫耀技术提供了不少空间，而且着重非常的舞台效果，当中《胡格诺人》是典型代表。
与此同时，较为轻松的“喜歌剧”也大受欢迎，尤其是弗朗索瓦-阿德里安·布瓦尔迪厄（Fran?ois-Adrien Boieldieu）、丹尼尔·奥柏（Daniel Auber）、费迪南·埃罗尔德（Ferdinand Hérold）和阿道夫·亚当（Adolphe Adam）的作品。与此同时，法国本土作曲家，如埃克托·柏辽兹的歌剧，上演的机会都很难争取得到。纵然集格鲁克风格之大成，柏辽兹的巨著《特洛伊人》曲谱面世后百多年才得以全剧完整上演。
19世纪下半叶，雅克·奥芬巴赫创作了不少诙谐幽默、讽刺时弊的轻歌剧作品，如《地狱中的奥菲欧（Orphée aux enfers）》。夏尔·古诺则通过《浮士德》一举成名。而当人们接受了乔治·比才的《卡门》当中浪漫主义和现实主义风格的神奇结合后，《卡门》一剧成为了最受欢迎的喜歌剧。儒勒·马斯内、卡米尔·圣桑和利奥·德里布的作品仍是标准保留剧目的名单上。与此同时，华格纳的影响被视为对法式歌剧传统的冲击，法国的乐评人不少坚持拒绝华格纳的乐剧，但法国的作曲家却是尝试模仿华格纳的风格。其中克劳德·德彪西对华格纳风格的回应就颇为有趣。在他的歌剧作品《佩利亚斯与梅丽桑德》（1902）当中，和华格纳的乐剧一样，乐队处于歌剧音乐中的领导地位；而且全剧皆由宣叙调组成，没有实际意义上的咏叹调。但戏剧内容本身很清淡但又扑索迷离，显得和华格纳风格相去甚远。
其他20世纪当中值得一提的歌剧作曲包括莫里斯·拉威尔、保罗·杜卡斯、鲁塞尔（Albert Roussel）和达律斯·米约（Darius Milhaud）。而弗朗西斯·普朗克（Francis Poulenc）的作品是少数战后推出的歌剧，能成为保留剧目，如《修道院里的对话（Dialogues des carmélites）》。而奥利维埃·梅湘在1983年推出的歌剧《阿西西的圣方济各（Saint Fran?ois d'Assise）》，引来乐坛不少关注。
俄语歌剧
播报编辑
歌剧最早在1730年代，通过意大利歌剧巡回演出的团队传入俄国，很快成为了俄国宫廷和贵族的重要娱乐。不少外国作曲家，如巴达萨尔·加路皮（Baldassare Galuppi）、乔望尼·派斯艾罗（Giovanni Paisiello）、朱塞佩·萨提（Giuseppe Sarti）和多莫尼科·奇马洛萨（Domenico Cimarosa）等等，等曾获邀到俄国创作意大利歌剧。与此同时，俄国贵族们把一些本土作曲家送到外国，学习创作歌剧，如马克西姆·别列佐夫斯基（Максим Созонтович Березовський）和蒂米特里·波特年斯基（Дмитрий Степанович Бортнянский）等人。第一套俄语歌剧出现在1755年，由意大利作曲家范切斯科·阿雅以亚（Francesco Araja）所作的《刻法罗斯和普罗克里丝（Цефал и Прокрис）》。俄语歌剧随即获得不少俄国作曲家，如瓦西里·帕什科维奇（Васи?лий Алексе?евич Пашке?вич）、叶甫奇盖尼·弗明（Евстигне?й Ипа?тьевич Фоми?н）和亚力克斯·魏司托夫斯基（Алексéй Николáевич Верстóвский）等人的支持。
不过，米哈依尔·格林卡的两套歌剧：1836年的《为沙皇献身（Жизнь за царя）》和1842年的《鲁斯兰和柳得米拉（Руслан и Людмила）》的推出才被誉为俄国民族歌剧的正式诞生。格林卡以后的19世纪，俄语歌剧名作辈出，如亚历山大·达尔戈梅日斯基（Александр Сергеевич Даргомыжский）的《露莎卡（Русалка）》和《石像赴宴（Каменный гость）》、莫杰斯特·穆索尔斯基的《鲍里斯·戈东诺夫（Борис Годунов）》和《霍宛斯基党人之乱（Хованщина）》、亚历山大·鲍罗丁的《伊戈尔王（Князь Игорь）》、柴可夫斯基的《叶甫盖尼·奥涅金》和《黑桃皇后》，以及尼古拉·里姆斯基-科萨科夫的《雪女郎（Снегурочка–Весенняя сказка）》和《萨特阔（Садко）》。这些作品反映了俄国国民乐派音乐的发展，也被视为泛斯拉夫主义思潮的象征之一。
在20世纪，俄语歌剧继续获得发展，如拉赫曼尼诺夫的《吝啬的骑士（Скупой рыцарь）》和《雷米尼的法兰西斯卡（Франческа да Римини）》，斯特拉文斯基的《夜莺（Соловей）》、《玛伏拉（Мавра）》、《俄狄浦斯王（Oedipus rex）》及《游子历程（The Rake's Progress）》，普罗科菲耶夫的《赌徒（Игрок）》、《三橙之恋（Любовь к трём апельсинам）》、《火天使（Огненный ангел）》、《情定修道院（Обручение в монастыре）》及《战争与和平（Война и мир）》，肖斯塔科维奇的《鼻子（Нос）》和《姆青斯科县的麦克白夫人（Леди Макбет Мценского уезда）》，艾迪逊·丹尼索夫（Эдисо?н Васи?льевич Дени?сов）的《岁月的泡沫（L'écume des jours）》还有阿尔弗雷德·舒尼克（Альфре?д Га?рриевич Шни?тке）的《与一傻瓜为伍的生涯（Жизнь с идиотом）》和《约翰·浮士德先生的故事（Historia von D. Johann Fausten）》。
英语歌剧
播报编辑
在英格兰，歌剧被视为17世纪吉格喜剧（jig）的延续。吉格喜剧一般是戏剧终结后的短笑剧，内容往往语带讽刺，搬弄是非，主要是附有根据当时流行曲调改编而成的配乐的对白组成。而到了18世纪，英格兰则是抒情歌剧（ballad opera）的天下。与此同时，法式面具歌舞剧（masque）也在英国宫廷站稳阵脚，而且愈趋豪华，而且布景仿真度也愈来愈高。而伊尼高·钟斯（Inigo Jones）为这种歌舞剧的舞台设计堪称经典，而且成为英国舞台作品的设计典范达三个世纪之久。而本·庄逊1617年的面具歌舞剧《情人造就成人（Lovers Made Men）》则曾被人形容为“整套意式风格的面具歌舞剧，满口宣叙调（stilo recitativo）”。
而在共和时期，政府强行关闭戏院，导致英语歌剧无法发展。但在1656年，桂冠诗人、剧作家威廉·达文南特爵士（Sir William Davenant）纵然在没有演出戏剧牌照之下，仍然以“叙事音乐（recitative music）”之名，成功推出歌剧《罗德岛之围（The Siege of Rhodes）》，并邀得当时英国顶尖的作曲家，如亨利·罗斯（Henry Lawes）、亨利·库克（Henry Cooke）、马修·洛克（Matthew Locke）、查理·科曼（Charles Coleman）和乔治·哈德逊（George Hudson）等负责作曲和配乐。达文南特继而在1658年和1659年推出歌剧《西班牙人在秘鲁的暴行纪实（The Cruelty of the Spaniards in Peru）》和《法兰西斯·德雷克爵士的故事（The History of Sir Francis Drake）》，且因题材为批评西班牙而备受护国公奥利弗·克伦威尔的推崇。
1660年王政复辟，英国再次为外国作曲家打开大门，尤其是法国作曲家。1673年，剧作家扥马斯·沙德威尔（Thomas Shadwell）成功把两年前莫里哀和让-巴普蒂斯特·吕利的芭蕾喜歌剧《赛姬（Psyche）》，改编上演。同年达文南特爵士在马修·洛克等人的帮助，首次配乐演出了莎翁名剧《暴风雨（The Tempest）》。1683年左右，约翰·博罗（John Blow）的《维纳斯和阿多尼斯（Venus and Adonis）》被视为第一部真正的英语歌剧。
然而在博罗之后，亨利·珀赛尔（Henry Purcell）成为更为著名的歌剧作家。他虽有红遍一时《蒂朵和埃涅阿斯》（Dido and Aeneas, 1689），但不少珀氏佳作乃“半歌剧（semi-opera）”，即是在戏剧中加入的音乐和面具歌舞场景，如珀赛尔的《仙界王后》（The Fairy-Queen, 1692），可以作为莎翁喜剧《仲夏夜之梦》所作的戏剧音乐。而往往戏剧的主角不会在音乐场景中出现，因此珀赛尔等作曲家为能以歌曲交代主线剧情。虽然如此，但珀赛尔和他的合伙人约翰·德莱敦（John Dryden）一直想在英国推动正歌剧的发展，但珀赛尔的早逝，导致这一希望幻灭。
珀赛尔之后，英国歌剧坛可谓是意大利式歌剧的殖民地，韩德尔的意式正歌剧称霸了数十年的伦敦歌剧市场，而本土作曲家，如托马斯·阿恩（Thomas Arne）和约翰·腓特烈·拉普（John Frederick Lampe）和麦克·巴夫（Michael Balfe）都是依照意大利的风格写自己歌剧。情况一直持续，18和19世纪依然如是，各大意大利歌剧名家，以及风行欧陆的莫扎特、贝多芬和梅耶贝尔的名作一直霸占伦敦的音乐舞台。不过与此同时，新兴的歌剧形式，如约翰·基（John Gay）的《乞丐的歌剧》（1728），滑稽歌舞剧（musical burlesque）、欧陆轻歌剧、特别是吉尔伯特与沙利文的萨沃伊歌剧，一度冲击了歌剧舞台的传统。虽然沙利文声称他的轻歌剧，应该算英语歌剧学派的一部分，当他们也承认，他们创作的其中一个目的，便是要赶走19世纪风行英国，纵使翻译奇差的法式轻歌剧。或因如此，苏利文只曾写了一出大歌剧《艾凡赫（Ivanhoe）》。但他们的作品《皇家卫队》（The Yeomen of the Guard）则曾被《每日邮报》形容为第一部真正的英语歌剧。
20世纪，英语歌剧渐渐摆脱义式风格的影响，尤其是雷夫·佛汉·威廉斯和本杰明·布里顿的作品仍是各大歌剧院的保留剧目。而与此同时，美国的作曲家，如伦纳德·伯恩斯坦、乔治·格什温等人，也开始英语歌剧的创作，并加入流行音乐的元素。时至今日，仍有有不少当代作曲家在谱写歌剧，如英国的托马斯·阿迪斯（Thomas Adès）、哈里森·比特威素（Harrison Birtwistle）、麦可·尼曼（Michael Nyman）和美国的菲利浦·格拉斯及约翰·亚当斯。
其他歌剧
播报编辑
捷克作曲家则在19世纪成功推动民族歌剧得发展，成效相当不错。贝多伊齐·斯美塔那以8套歌剧打响头炮，当中以《被出卖的新娘》﹔以《露莎卡》著名安东尼·德沃夏克则留下13部歌剧﹔而列奥西·扬那切克则以创新的作品，如《继女耶奴发（Její pastorkyňa）》、《狡猾的小狐狸（P?íhody li?ky Bystrou?ky）》和《卡塔·卡芭娜娃（Ká?a Kabanová）》。
19世纪，匈牙利民族歌剧的主要人物是，以撰写历史题材歌剧而著名的厄凯尔·费伦茨（Erkel Ferenc）。最常见的厄凯尔包括《匈雅提·拉兹劳（Hunyadi László）》和《邦克公爵（Bánk bán）》。而最著名的匈牙利歌剧当数巴托克·贝拉的《蓝胡子公爵的城堡》。
而最为人熟知的波兰歌剧作曲家当数斯坦尼斯拉夫·莫纽什科（Stanis?aw Moniuszko），其代表作为《闹鬼的庄园府第（Straszny dwór）》而在20世纪，还有一些波兰作曲家的歌剧作品包括席曼诺夫斯基（Karol Szymanowski）的《罗格王（Król Roger）》和克里斯托弗·潘德列茨基（Krzysztof Penderecki）的《乌布王（Ubu Rex）》。
